Искусство и мода

В ходе лекции Роман Медный делится впечатлениями, полученным на последней Венецианской Биеннале современного искусства, и дает долгосрочный прогноз развития модных тенденций. В мире, где главная ценность — информация, понимать, как будет развиваться мода, обязанность любого стильного человека.

«Единственная вещь, которая не выходит из моды последние 3000 лет — это современное искусство» (с) Роман Медный.

Мы все живем в мире, полностью заполненном образами, но художникам на протяжении всей истории цивилизации удавалось расширить границы нашего восприятия, делая зримыми миры своих фантазий, заставляя по-новому нас взглянуть на привычный мир, провоцируя иногда даже глобальные изменения в восприятии мира.

Тем же занимается и мода — человеческое тело не менялось десятки тысяч лет, но при этом каждое поколение находит новые границы эстетики в этом хорошо изученном объекте.

Лекция «Современное искусство и мода» — Роман Медный

В своем развитии мода прошла те же этапы, что и искусство — оно совершенствовало технику до самого конца XIX века, затем концептуально изменило направление развития, заинтересовавшись больше моралью, чем прикладной эстетикой, затем прошла стадию поп-арта, которая в моде выглядела как диктатура моды и кич 80-х, а сейчас окончательно сместилась в зону концепции.

На протяжении всего пути мода опиралась на искусство. Иногда они сходились настолько близко, что между ними было трудно провести грань, как, к примеру, дуэт Эльзы Скиапарелли и Сальвадора Дали, вошедший в историю моды и искусства одновременно. Идеи постмодернизма вдохновляли Мартина Марджелу, и в адаптированном виде они дошли до широкого потребителя.

Искусство шокирует, волнует, заставляет говорить о себе и таким образом подготавливает почву для модных тенденций, который тоже должны немного шокировать, но при этом вызывать ощущение «где-то мы уже это видели». Чаще всего ощущение дежавю от моды возникает у тех, кто интересуется современным искусством.

Эксперты в области современного искусства входят в штат всех крупных домов моды и они могут с точностью сказать, к чему люди готовы именно сейчас.

Искусство и мода

Модельеры и художники, фотографы и дизайнеры черпают вдохновение для создания своих авторских работ из разных источников, в том числе и друг у друга. Нередко, когда в одном произведении искусства можно найти цитаты из другого. Коллаборация художника и модельера, пожалуй, один из самых интересных творческих процессов в современном искусстве. Предлагаю познакомиться с ним на примерах.

• Источник вдохновения номер один — нидерландский художник абстракционист Пит Мондриан. Его полотна невозможно спутать ни с какими другими — цветные и белые квадраты разделенные черными прямыми. Год 1965 показ Yves Saint Laurent Fall/Winter — платье Cocktail Dress Homage to Mondrian (1).
• В 1992 году швейцарская художница Сильви Флери (известна еще тем, что в 1997 году создает из бронзы скульптурную версию сумки из коллекции Louis Vuitton Keepall, покрытую хромированным серебристым напылением и высотой в два фута – прототип сумок из созданной потом серии Mirror Monogram) выставляет инсталляцию Mondrian Boots (2).
• В 2007 году в продажу поступают Mondrian Wedge от Christian Louboutin (3), позже в одной из его коллекций можно найти «шпильки» с уже знакомой текстурой (4). В 2008 выходят в свет кеды Nike Dunk Sb Piet Mondrian (5) и Vans Mondrian shoes (6). В 2009 дизайнер Ruth Davis создает туфли на каблуках Graffiti-Mondrian Pump (7).
• Платье «Art is Love» (8) — признание в любви Мондриану от Moschino, и Diane von Furstenberg Mondrian dress (9).
• Коллекция купальников Sarah Schofield’s Modrian Swim Wear.

Источник вдохновения два — известный фото- и кинохудожник 20 века Ман Рэй. Одна из его известнейших работ «Le violon d’Ingres, 1924» (1) получила свой отклик в 2008 году в коллекциях J.- C. de Castelbajac (2) и Viktor & Rolf (3).

Jean-Charles de Castelbajac попал в мир моды в 1969 году.

Как человека творческого и разностороннего его интересует не только фэшн, но и искусство, и дизайн, мультипликация и даже политика, об этом нам говорят его платья (см.

платье с Бараком Обамой) и выставка графических работ «Triumph of the Sign» — победа консьюмеризма над искусством. В составе выставки копии великих живописцев, на которые поверх нанесены монограммы Gucci, YSL, Dior, LV.

Неравнодушен Castelbajac и к поп-арту. В одной из его коллекций есть платье с портретом великого и ужасного Энди Уорхола.

К поп-арту обратили свои взоры и дизайнеры Miu Miu.

В прошлогодней весенне-летней коллекции принты на шелковых блузах, брюках и платьях выполнил известный американский художник 60-х John Wesley (1,2).

А совсем недавно в начале сентября Nicholas Kirkwood объявил о выходе в следующем году лимиторованной коллекции обуви, которую он разработал совместно с художником 80-х Китом Харингом (3).

В 2002 еще один современный художник Damien Hirst создал пару обуви для Manolo Blahnik в авангардной манере.

Еще один концептуалист Jason Alper, один из создателей персонажей Ali G, Borat и Bruno, открыл выставку «Proletarian Drift and the Enfranchisement of the Bourgeoisie in the 21st Century» в лос-анджелесской галереи Guy Hepner. По сути эта же идея заключена в работах Кастельбажака, но ее формулировка, как и название выставки, звучат проще, зато у Джейсона настоящие масляные полотна.

Мода как искусство: откуда дизайнеры черпают вдохновение

Какие направления искусства оказывает наибольшее воздействие на моду?

• «Мода — любимое дитя капитализма, построенное на алчности и желании каждого человека быть лучше других. Поэтому она априори не может находиться в связи с искусством, не имеющим основной своей целью получение выгоды», — утверждают культурологи.
• Той же точки зрения придерживалась и Коко Шанель, которая в ответ на сравнение ее одежды с конвейером на автомобильном заводе сказала: «Это не картина и не бессмертное произведение искусства».
• Ее главный оппонент — известный модельер того времени Поль Пуаре, заявивший в 1920-х годах: «Я не портной, я — художник!».
• Наряды Пуаре славились своей броскостью и обилием фактур, а также создавались в единственном экземпляре, что действительно давало возможность мсье Пуаре отнести себя к художникам — подобно скульптору, создающему статую в единственном экземпляре, Поль Пуаре выкраивал свои платья. Тем не менее, он не пренебрегал и сотрудничеством с масс-маркетами того времени.
• К 1950-м годам большинство модельеров приняло сторону Пуаре, признав себя художниками. В 1980-е одна за другой стали появляться выставки, посвященные различным стилям в одежде. Это еще один повод отнести моду к сфере искусства.

Но прослеживаемая тенденция демократизации вещей от кутюр и выпуск их в массовое производство можно интерпретировать двумя полностью противоположными способами.

Первый — «искусство в массы», сторонники которого видят в демократизации «кутюра» равный доступ к нему многих слоев населения, следовательно, и доступность быть модным для всех, кто считает для себя это приоритетным. Это можно сравнить с выставками картин, на которых ценители могут лицезреть работы художников, которые раньше были сосредоточены в руках коллекционеров.

Emulio Pucci весна-лето 2015; коллаборация Louis Vuitton и Яеи Кусамы, 2012 годDolce&Gabbana осень-зима 2013; Prada весна-лето 2014Chanel весна-лето 2016; Jean-Charles de Castelbajac осень-зима 2009

В последнее время молодые дизайнеры все чаще черпают вдохновение в работах авангардистов. Работы Казимира Малевича, Пита Мондриана, Василия Кандинского, а также учеников художественной школы Баухауз все чаще по-новому интерпретируются в модных принтах дизайнеров. Откуда взялась эта мода? Слово предоставляется экспертам.

Cегодня мода и искусство просто не могут существовать друг без друга. Дизайнеры вдохновляются работами как мастеров эпохи Ренессанса, так и современными провокационными работами Джеффа Кунса и Дэмиена Херста.

Молодые художники все чаще принимают участие в коллаборациях как с известными, так и с начинающими брендами.

Они понимают, что коллекции, вдохновленные их творчеством, могут стать чем-то удивительным и дать новый толчок их карьере.

Свитшот из коллекции Art FlashMiu Miu весна-лето 2016; Philipp Plein весна-лето 2016Капсульная коллекция Premiata весна-лето 2016Оптика PQ Eyewear

Искусство и мода: самые знаменитые коллаборации

Витрина магазина Louis Vuitton, оформленная художником Яёи Кусамой

Мода и искусство идут рука об руку с конца Первой мировой войны. Первопроходцем в деле арт-коллабораций считается Мадлен Вионне­. Едва начав шить платья, она стала страстной­ поклонницей иллюстратора-футуриста под псевдонимом Таят.

Его стиль называли монашеским: всего несколько основных цветов в палитре, скупость на детали, при этом – строгие, четкие линии и графичные силуэты.

Дух его творений прекрасно гармонировал с тем, что делала сама Мадлен – простые на первый взгляд платья с прямым силуэтом и строгими линиями, прославляющие свободу движений и новую эру, где нет места условностям.

Яёи КусамаЯёи Кусама

В 1919 году Вионне познакомилась с художником лично. Таят разработал логотип модного Дома.

На рисунке он изобразил стоящую на античной колонне женщину, которая не то надевает на себя просторное платье, не то держит перед собой отрез ткани, собираясь вот-вот превратить его в произведение искусства.

Логотипом коллаборация не ограничилась – в 20-е годы художник нарисовал для модного Дома Vionnet в общей сложности 60 акварельных эскизов, по которым сама Вионне сшила платья, воплотившие собой дух «века джаза».

Мадлен Вионне­Логотип модного Дома

Примерно в то же время завязалась другая, не менее страстная дружба. Путешествуя из Лондона в Нью-Йорк, Эльза Скьяпарелли­ оказалась на одном корабле с Габриэль, женой художника-дадаиста Франсиса Пикабиа. Та ввела подругу в кружок дадаистов, в числе которых были Марсель Дюшан и Ман Рэй.

Как и Эльза, они любили иронию и интеллектуальную игру, а их живопись во многом строилась на оптических иллюзиях. Под влиянием дадаизма ро­дился первый шедевр Скьяпарелли – черно-белый свитер с бантом, нарисованным в технике trompe-l’oeil: бант кажется настоящим, пока, приглядевшись, вы не поймете, что это всего лишь принт.

Эльза СкьяпареллиСовременная интерпретация «платья-лоб­стера», сшитого Эльзой Скьяпарелли по мотивам скульптуры Дали (Schiaparelli, SS17 Couture)

В 30-е итальянка продолжила творить вместе с близкими по духу людьми.

Уже будучи легендой моды, она дала себе волю, создав невероятные творения по мотивам работ своего друга Сальвадора Дали: платье-лобстер, платье-слезы, платье-скелет. Сам Дали нарисовал для Эльзы эскиз шляпки в виде туфли и придумал для мастерской Скьяпарелли диван в форме алых женских губ. Помимо Дали, в ближний круг Эльзы входил Жан Кокто.

Он – автор принта для вечернего пальто Schiaparelli – рисунок одновременно напоминает вазу для цветов и – снова игра! – два обращенных друг к другу женских профиля.

Свитер от Эльзы Скьяпарелли с нарисованным бантом по мотивам картин дадаистов

• В целом в творческих союзах ХХ века было не так много расчета­. Чаще всего это «браки по любви» – из желания поработать вместе с близким по духу человеком или отдать ему дань даже много лет спустя после смерти. В 60-е годы Ив Сен-Лоран создал знаменитое платье «Мондриан».
• Трапециевидное, будто сшитое из нескольких цветных лоскутов, оно напоминало картины обожаемого Сен-Лораном бельгийского кубиста Пита Мондриана, умершего в 1944 году, – трудно придумать «памятник» прекраснее. В начале 90-х Джанни Версаче посвятил целую коллекцию Энди Уорхолу, которого не стало в 1989-м.
• В ней есть платья с принтом в виде самого известного произведения поп-арта – портрета Мэрилин работы Энди.

Платье с портретом Мэрилин демонстрировала Наоми Кэмпбелл, сейчас оно хранится в музее MetropolitanКоллекцию Джанни Версаче посвятил поп-арту и своему покойному другу Энди Уорхолу

Чем стремительнее становилась жизнь, тем прагматичнее – мода.

Теперь, в ХХI веке, за арт-коллаборациями куда чаще стоит коммерческая выгода. Сотрудничество с художниками позволяет брендам обновлять ДНК и завоевывать новую аудиторию.

Один из самых успешных примеров – воплощение буржуазного шика Louis Vuitton и их многолетний «роман» с современными бунтарями от искусства. Все началось благодаря смельчаку и новатору Марку Джейкобсу.

В 1997 году он стал креативным директором Дома, а уже в 2001-м привлек к созданию легендарных сумок художника и модного дизайнера Стивена Спрауза. В 80-е Спрауз прославился яркими и эксцентричными работами.

Созданная им одежда, будто покрытая неоновыми граффити, продавалась в универмагах вроде знаменитого Bergdorf Goodman. Кроме того, он дружил с Энди Уорхолом и был завсегдатаем безумных вечеринок на его «Фабрике». В 90-е, когда на арену вышли гранж и минимализм, о Спраузе забыли, и он тут же согласился на предложение Джейкобса, ухватившись за шанс реанимировать былую славу.

Платье, которое Ив Сен-Лоран и картина Пита Мондриана

Замысел удался. Сумки Louis Vuitton, для которых художник придумал принт в своем фирменном стиле – в виде пестрых граффити, – стали одним из знаковых аксессуаров миллениума.

Их запуск позволил бренду в несколько раз увеличить продажи и «завербовать» поклонников из числа кумиров нового поколения, вроде Агнесс Дейн и сестер Хилтон.

О Спраузе вновь заговорили: он начал выпускать капсульные коллекции для Target и Diesel и, возможно, опять стал бы звездой, если бы не скоропостижная смерть в 2004 году. Принты Спрауза Louis Vuitton использовал и в течение нескольких следующих лет.

Успешный опыт сподвиг Марка Джейкобса не останавливаться на достигнутом: список контрибьюторов Louis Vuitton в числе прочих пополнили Такаши Мураками (2003), Яёи Кусама (2006) и маргинальный уличный художник Ретна (2013).

Сумки Louis Vuitton с принтом дизайнера Стивена СпраузаАгнесс Дейн с сумкой Louis Vuitton

Со временем арт-коллаборации стали для дизайнеров таким же обычным делом, как выпуск межсезонных коллекций и сотрудничество со звездами. Кажется, без «артового» эпизода в биографии модный Дом уже и не модный вовсе.

Эстафету подхватили и бренды из масс- и мидл-маркета, которым коллаборации помогают повысить градус престижа, а значит – поднять цены. H&M делают коллекцию с завсегдатаем Art Basel Алексом Кацем (вещи появились в декабре прошлого года); Nike сотрудничает со скульптором Томом Саксом; Levi’s – с «великим и ужасным» Дэмьеном Хёрстом.

Капсульная коллекция, созданная художником для знаменитого casual-бренда в 2007 году, всколыхнула фэшн-мир. На первый взгляд этот тандем кажется странным, но, если вдуматься, у Хёрста и Levi’s не так уж мало общего: и художник, и марка вышли из маргинальной среды и проделали долгий путь, прежде чем стали частью современной поп-культуры.

Футболки и джинсы, украшенные нарисованными черепами и фирменным принтом Хёрста, похожим на разно­цветные карандашные штрихи, продались так хорошо, что сотрудничество затянулось на много лет.

Показ совместной коллекции Levi’s и ДэмьенаВ ход пошло даже изображение инкрустированного бриллиантами черепа из нашумевшей инсталляции For the Love of God (2007)

В последнее время взаимопроникновение искусства и моды становится все глубже – и здесь дело уже не только в коммерции.

Художники оформляют витрины и интерьеры магазинов (особенно любят такого рода коллаборации Louis Vuitton и Fendi) и даже создают вместе с модными домами pop-up-музеи. Так, в 2012 году итальянский художник Франческо Веццоли совместно с Prada на сутки превратил Йенский дворец в Париже в музей современной скульптуры.

Огромные залы стали ареной для эффектного арт-перформанса: в лучах розовых прожекторов посетители могли любоваться выполненными в античном стиле статуями современных поп-звезд. Такие проекты позволяют модным домам заявить о себе как о культурном феномене. Творцы как бы говорят публике: «Мы – больше, чем просто создатели вещей».

Что дальше? Возможно, границы окончательно сотрутся. В конце концов, персональные выставки фотографий и даже живописи Карла Лагерфельда уже давно регулярно проходят во многих крупных городах мира.

Искусство и мода или сила взаимной страсти | Журнал «365»

Союз искусства и моды всегда наполняло некое притяжение и обоюдное влечение.

Зародившись совершенно по разным причинам, они прошли долгий путь в котором сроднились, проходя единые этапы в развитии и совершенствуя технику, а потом на рубеже 20 века кардинально сменили свою эстетику.

Теперь же нащупать границу между ними становится все сложнее. Что же это всепоглощающая и уничтожающая страсть к друг другу противоположностей или две половинки одного целого, спустя века, наконец-то нашли друг друга?

Неминуемое столкновение искусства и моды стало очевидным на рубеже 19-20 веков. Смена столетий послужила не только формальным переходом в новый век, но и переходом к мировой индустриализации.

Мир менялся, творцы искали новые формы вдохновения, для времени, где будущее казалось весьма неопределённым и место под новым солнцем нужно было завоевывать. Люди искусства, решили расширить границы своего влияния в поисках новых актуальных форм и демонстрации возможностей творчества в повседневной жизни.

Искусство ответило на промышленный бум, когда мир начал двигаться к массовости, и начало проникать в смежные ему пространства и, в результате, в повседневную жизнь.

Так, Густав Климт делал принты и скетчи для моделей одежды. А эксцентричный Сальвадор Дали, любившая шокировать публику Эльза Скиапарелли и не менее идейный писатель Жан Кокто решили объединить свои усилия в создании одежды.

Пожалуй, это стало возможном потому, что бомонд всегда жил в своей среде, а идеи сюрреализма не только заражали своим звучанием, но подобно цунами, разрушали привычные нормы и границы.

Это революционная волна эпатажа трех гениев, ознаменовавшая начало падение «берлинской стены» между искусством и модой, была настолько сильна, что их идеи до сих пор будоражат и вдохновляют наши умы.

После войны, наступил новый виток в развитии моды, промышленность восстанавливалась и разгорались новые страсти, идеи и желания.

Дизайнерам все также, требовалось вдохновение, и они все чаще обращались не только к великим произведениям живописи, но и современным художникам, которые разделяли общие ценности.

Стоит ли вспоминать платье Мондриан, которое Ив Сен Лоран создал под влиянием картин художника Пьера Мондриана? Однако, и сами дизайнеры создавали настоящие шедевры, свадебные платья того же Ив Сен Лорана, отнюдь не были пригодными для обычной жизни или даже выхода в свет, но были демонстрацией перспектив и возможностей модной индустрии. Творения и перевоплощение модной индустрии второй половины 20 века, остаются настолько значимыми и желанными, что выставляются в лучших музеях мира наравне с такими художниками как Рембрант, Моне и Магритт.

Платье Mondrian

Свадебное платье Ив Сен Лоран 1965г.

В современной моде дела обстоят немного иначе. Дизайнеры по-прежнему активно сотрудничают с современными деятелями искусства и ищут вдохновения у живописцев, фотографах и писателей прошлого, но и дизайнеров, которые вошли в историю в 20 веке.

Так, в 2001 году вышла всемирная известная коллаборация Louis Vuitton с уличным художником Стивеном Спраузом, которая помогла модному дому еще раз заявить о себе и привлечь внимание общественности, но и подарила новых молодых клиентов.

Модный дом не остановился, и на этой волне, представил коллекцию с японской художницей Яеи Кусама страдающей психологическим заболевание. Тем самым, вызвав жаркие споры о этичности этого сотрудничества.

Далее, было еще много коллабораций с такими художниками как Андре Сарайва и Кенни Шарф.

Louis Vuitton и Стивен Спрауз

Этот тренд, подхватили и другие бренды, которые стали использовать искусство и продвигать его в массы. В марте этого года Opening Ceremony создали коллекцию, украшенную картинами Рене Магрита. К слову, компания Vans также выпустила мокасины, вдохновленные творчеством бельгийца.

Opening Ceremony и Рене Магрит

На первый взгляд, в противовес им можно вспомнить Dolce&Gabbana с вечно дорогими и полными изобилья коллекциями, которые вдохновляются то фресками, то мозаиками (как это было прошлой весной). Или коллекция Кеnzo 13/14 года, основаная на манере фламандских художников.

Однако, основное отличие современной моды в том, что масс маркет, активно использует всем известные образы. А новые провокационные современные художники востребованы только у люксовых брендов. Ключ к разгадке прост — масс маркету важно продавать. Люкс же обращен к эксклюзивности, как это было и в былые времена, поэтому провокационность и супер актуальность здесь играет более важную роль.

Такие бренды искушают молодых художников тем, что они делают их почти суперзвездами, давая возможность показать свое творчество широкой общественности.

В обоих случаях итог один, при сотрудничестве с модой искусство популяризируется. Нужна ли такая массовость и к чему это приведет, не знает никто, но совершенно очевидно, что основа этого плотного сотрудничества весьма банальна – математика условных единиц.

Переплетение моды и искусства

Уже давно настали те времена, когда одежда перестала выполнять лишь защитную функцию, а предметы искусства перестали быть чем-то дорогим и недостижимым. Сегодня творения художников и модельеров буквально идут нога в ногу, а иногда и глубоко проникают друг в друга, образуя нечто совершенно новое.

На протяжении всей истории художники посредством своих произведений пытались раздвинуть границы нашего восприятия, приглашая в мир своих грез и фантазий. Примерно этим же занимаются и модельеры, из поколения в поколение открывая  новую эстетику  в таком, казалось бы, тривиальном объекте, как одежда.

Примечательно, что мода и искусство в своем развитии прошли примерно одни и те же этапы: совершенствование техники до самого конца XIX века, затем резкая смена направления развития, и вот интересна уже больше мораль, а не только прикладная эстетика.

Далее следовала стадия поп-арта, которая в моде выглядела как диктатура моды и кич 80х, а сейчас окончательно сместилась в зону концепции.

Именно в начале XX века был заложен фундамент этих и по сей день крепких отношений, когда художники, архитекторы и прочие люди искусства вступили в область промышленного дизайна и моды.

Густав Климт делал принты и рисовал скетчи моделей одежды, а король моды Поль Пуаре основал Ecole Martin — бренд, под которым выпускались предметы интерьера, разработанные художниками.

Влияние идей искусства на моду в то время было революционным, и многие такие творческие союзы навсегда вошли в историю.

В 1934 году арт-директором малоизвестного журнала Harper’s Bazaar становится выходец из России Алексей Бордович.

Ему удается буквально совершить переворот в мире моды вообще и в истории своего журнала в частности, привлекая к работе над выпусками самых известных, скандальных и талантливых современников.

• В журнале появились чувственные фотографии Мана Рэя (одна из его любимых моделей — Мария Бенц, или Нуш, вторая жена Поля Элюара) и иллюстрации таких революционеров от живописи, как Жан Кокто, Жоан Миро и, конечно, Сальвадор Дали.
• Безусловно, такой эксперимент сотрудничества с Дали и другими сюрреалистами был рискованным для журнала, позиционирующегося как женский, но итог превзошел все ожидания. Получив своеобразную культурную «пощечину», общество ожило и задышало, издание приобрело огромное количество поклонников и с тех пор входит в число самых престижных модных женских журналов.
• Обложка Harper’s Bazaar (ноябрь 1944) и работа Дали «Портрет мисс Джек Уорнер»
• Рука гения оставила свой след и на страницах другого легендарного издания — Vogue заказал Дали разработку обложки для одного из номеров в 1939 году, в итоге укрепив свои позиции прогрессивного модного журнала. Иллюстрации сюрреалиста появлялись в нескольких номерах Vogue, а в 1944 и 1946 годах работы Дали вновь становились украшением обложки.
• Самым сюрреалистическим союзом можно считать союз Эльзы Скиапарелли, Жана Кокто и  Сальвадора Дали, вошедший в историю моды и искусства одновременно. Эльза не упускала случая шокировать публику, реализуя принципы сюрреализма в конструировании одежды, а Сальвадора и Жана очаровала идея создания арт-шедевров в платьях и костюмах.

Тем не менее, одежда и аксессуары, созданные скорее как творческий эксперимент, стали пользоваться невероятным успехом. Сама герцогиня Виндзорская с огромным удовольствием примерила на себя платье, на котором изображен натюрморт из омара и петрушки.

В итоге, в июле 1928 года небольшая мастерская Скиапарелли превратилась в настоящий модный дом, правда, самый сумасшедший из всех существующих до и после.

С легкой руки Гения в моде появилось еще одно направление — искусство боди-арта. Верушка фон Лендорф, легендарная модель, считает встречу с Дали самым захватывающим моментом в своей карьере.

Демонстрировать только одежду и аксессуары – слишком скучно, а интегрировать свою потрясающую фотогеничность, пластичность и стать в современное прогрессивное искусство – это, несомненно, шаг в вечность. Так оно и вышло.

С Дали она познакомилась в начале 60-х, и их перфоманс с пеной для бритья сделал из красивой женщины некое фантастическое существо, человеческую модификацию.

• Верушка вспоминает, что именно после этого она задумалась, каким еще образом можно использовать собственное тело – практически неиссякаемый ресурс – в искусстве. Так она стала пламенным популяризатором и адептом боди-арта.
• Ив Сен-Лоран также черпал идеи в искусстве. В 1965 году появилась коллекция по мотивам живописи Модильяни, кроме того, модельера вдохновляли произведения Пикассо, Ван Гога, Мондриана, Матисса.
• Джон Гальяно создавал свои коллекции для Диор под впечатлением картин Врубеля, Климта, Болдини, а костюм героини Милы Йовович в фильме «5 элемент», созданный Жаном-Полем Готье, отсылает нас к «Сломанной колонне» Фриды Кало.

Вот и сегодня творческий союз живописи и моды вновь на пике популярности. Капсульная коллекция Дианы фон Фюрстенберг посвящена творчеству Энди Уорхола. Над коллекцией Pradaработали французский иллюстратор Жанна Деталлан и бруклинский стрит-арт-художник Габриэль Спектр.

Принты с их модернистскими работами украсили платья, пальто, шубы, сумки-трапеции и даже стены помещения для показа. Для дефиле весенне-летней коллекции Chanel Карл Лагерфельд превратил парижский Гран-Пале в центр современного искусства, а моделей и одежду – в арт-объекты, использовав для этого все цвета радуги.

И это лишь несколько примеров!

Современное искусство шокирует, волнует, заставляет говорить о себе и таким образом подготавливает почву для модных тенденций, которые тоже должны немного шокировать, но при этом вызывать ощущение дежавю. Именно поэтому в штат всех крупных домов моды обязательно входят эксперты в области современного искусства, ведь только они могут с точностью сказать, к чему люди готовы прямо сейчас.

Сегодня, как никогда ранее, мода и искусство сплелись так сильно, что найти грань между ними становится всё сложнее. Ретроспективы творчества дизайнеров проходят в музеях мирового значения, художники всё чаще становятся соавторами модных коллекций.

Говорят, основой такого прочного союза служит лишь экономика: растиражированное и выпущенное в «массы» искусство, с одной стороны, и хорошо продающиеся коллекции с узнаваемыми образами великих полотен, с другой.

Хорошо это или не очень — рассудит время, нам лишь остается наблюдать, как настоящее искусство становится прикладным, а мода — самым настоящим искусством…

От картин на платьях до перформансов на показах: Как мода становится искусством

Мода и изобразительное искусство

Переносить картины на одежду одними из первых пробовали модельер Эльза Скиапарелли и художник Сальвадор Дали. Они были близкими друзьями и вместе продвигали новаторские идеи сюрреализма.

Одним из результатов их дружбы стала коллекция Schiaparelli 1937 года с украшениями, созданными по эскизам Дали, и платье в пол с красным поясом и рисунком омара на юбке.

Другим знаковым сплавом моды и живописи стала коллекция коктейльных платьев с графичными рисунками Мондриана, созданная Ив Сен-Лораном в 1965 году. Эти образы до сих пор остаются важными символами эпохи 60-х.

Впоследствии дизайнеры все чаще и чаще вдохновлялись искусством. Так, например, на платьях Valentino угадываются части полотен Босха, сумки Louis Vuitton то пестрят горохом Яёи Кусамы, то полотнами Рубенса и Ван Гога в переложении Джеффа Кунса, на шарфах Alexander McQueen появляются черепа Дэмиена Херста, а платья Celine предстают репродукциями Ива Кляйна.

Узнать о сложностях перенесения картин на ткань можно из документального фильма «Dior и я», который рассказывает историю работы Рафа Симонса над первой кутюрной коллекцией Christian Dior: для платьев классического силуэта французского дома креативный директор использовал принт с картин Руби Стерлинга.

Эту картину можно посмотреть на фестивале Art of Fashion 6 ноября.

Также в рамках фестиваля покажут «Первый понедельник мая» — фильм о закулисье Met Gala под руководством Анны Винтур, «Глаз должен путешествовать» — байопик культового обозревателя моды Дианы Вриланд и несколько лент с Берлинского фестиваля модного кино.

Мода и перформанс

• Перенесением живописных образов на одежду дело не ограничивается. Многие дизайнеры вдохновляются и другими формами искусства. Так, в 1999 году Александр МакКуин выпустил на показ модель в белом платье. Она встала на крутящуюся стойку, а два робота распыляли на платье краску, превращая его в арт-объект.
• В 2012 году звезда перформанс-арта Марина Абрамович поучаствовала в рекламной кампании Givenchy, а в 2015-м срежиссировала весенне-летний показ модного дома.
• В 2017 году Moncler вместе с фотографом Энни Лейбовиц объединились с китайским перформансистом Лю Болином: для рекламной кампании «Скрываясь в городе» он загримировался так, что полностью сливался с окружающей средой.
• Другой интересный пример переосмысления фотоискусства и перформанса показал один из главных моторов современной моды Демна Гвасалия в коллекции Vetements осень-зима 2017.
• Он выпустил на показ моделей в стереотипных образах: дама преклонного возраста в норковой шубе, классический панк, мужчина, напоминающий охранника в кожаной куртке, европейский турист с сумкой на поясе, работница банка в твидовом костюме.

Как выяснилось позже, Демна использовал образы, показанные на выставке «Exactitudes» фотографа Ари Верслуиса и социолога Элли Эйттенбрук, посвященной стереотипам.

Узнать больше о том, что такое фэшн-перформанс, можно будет в ТРЦ «Галерея», где стилист Владимир Бордок представит шесть модных шоу, посвященных главным трендам предстоящего сезона. Все подиумные образы будут собраны из популярных марок одежды и аксессуаров из ТРЦ «Галерея».

Там же будут расположены корнеры-витрины четырех авангардных российских дизайнеров-перформансистов: Turbo Yulia, Roma Ermakov, Venera Kazarova, Varenye Organizm. А еще на фестивале выступит с речью о взаимопроникновении моды и искусства Стас Башкатов (комьюнити Sila Sveta).

Мода и политика

Модные дизайнеры, как и современные художники, остро реагируют на политические события в мире. Вместо того чтобы устраивать перформансы и инсталляции, некоторые из них выражают свою позицию в одежде.

Так, выпускники английского колледжа дизайна Central Saint Martins все как один в сентябре 2016 года на своих показах в рамках Лондонской недели моды представили коллекции, посвященные «Брекзиту», рассказав о своем отношении к выходу Великобритании из Евросоюза.

А после победы Дональда Трампа на президентских выборах в США и его первых заявлений многие дизайнеры выразили протест новому президенту. Раф Симонс, который работает с Calvin Klein и живет в Америке всего год, провел показ под песню Дэвида Боуи «This is not America».

Молодая марка Public School выпустила моделей в свитшотах с надписью «We need leaders» и в красных бейсболках «Make America New York», которые отсылали к агитационным кепкам команды Трампа.

Не жалуют дизайнеры и новоиспеченную первую леди — Меланию Трамп. Марк Джейкобс, Дерек Лам и Том Форд категорично высказывались о том, что она «настолько прекрасна сама по себе, что может обойтись и без их платьев». Пример с другой стороны океана: в Великобритании дизайнеры уважительно относятся к премьер-министру Терезе Мэй.

И она отвечает им взаимностью: носит лишь работы подданных Соединенного Королевства — Anya Hindmarch, Vivienne Westwood, Russell & Bromley, L. K. Bennett.

Среди российских политиков громких удачных примеров отношения с модой еще слишком мало (если не считать блестящие ботинки Jimmy Choo Дмитрия Медведева и брюки Loro Piana Владимира Путина), но, возможно, молодое поколение привнесет в эту сферу чуть больше стиля и актуальных тенденций.